Louis Armstrong (Nueva Orleans, 4 de agosto de 1901 – Nueva York, 6 de julio de 1971), también conocido como Satchmo y Pops, fue un trompetista y cantante estadounidense de jazz. Se trata de una de las figuras más carismáticas e innovadoras de la historia del jazz y, probablemente, su músico más popular. Gracias a sus habilidades musicales y a su brillante personalidad, transformó el jazz desde su condición inicial de música de baile con raíces folclóricas en una forma de arte popular. Aunque en el arranque de su carrera cimentó su fama sobre todo como cornetista y trompetista, más adelante sería su condición de vocalista la que le consagraría como una figura internacionalmente reconocida y de enorme influencia para el canto jazzístico. Webgrafía
Amy Jade Winehouse (Londres, 14 de septiembre de 1983 – Ibídem, 23 de julio de 2011),[6][2] conocida como Amy Winehouse, fue una cantante y compositora británica de familia judía, destacada por sus mezclas de diversos géneros musicales, incluidos entre ellos el jazz, R&B, soul y ska. Fue reconocida por su contralto, registro vocal que fue descrito como «acústicamente poderoso» y capaz de expresar «profundamente sus emociones». En 2003 Winehouse lanzó su álbum debut, Frank, que obtuvo críticas positivas y fue comercialmente exitoso en su país natal, el Reino Unido, y fue nominado por los premios Mercury Prize. Su segundo álbum de estudio, Back to black, fue publicado en 2006. Por este disco la cantante consiguió seis nominaciones a los Premios Grammy, de las cuales ganó cinco, entre ellas, Canción del año, Grabación del año y Mejor artista nuevo. Este hecho condujo a Winehouse a obtener el récord de ser la primera mujer en ganar la mayor cantidad de reconocimientos en una sola noche y ser la primera artista británica ganadora de cinco Grammys. A su vez esto provocó que estuviera en la mira de los medios, involucrándose con su agitada vida personal.[8][9][10] En febrero de 2007, ganó el BRIT Award a Mejor Artista Británica. También ganó un World Music Award y tres Premios Ivor Novello, entre otros prestigiosos reconocimientos. Winehouse fue acreditada como una influencia detonadora en el ascenso de la popularidad de mujeres dedicadas a la música y de la propia música soul, y por fortalecer a la música británica, siendo una de las pocas cantantes de soul actuales que han influido fuertemente en la industria musical. También recibió atención de los medios por causas ajenas a su voz. Su estilo distintivo, sus tatuajes y su peinado beehive, la convirtieron en motivo de inspiración para algunos diseñadores de modas como Karl Lagerfeld. Sus constantes problemas legales, su adicción a las drogas y al alcohol y sus complicaciones médicas derivadas de su comportamiento autodestructivo fueron fuente de titulares desde el año 2007. Fue encontrada muerta en su apartamento el 23 de julio de 2011 a los 27 años de edad, tras sufrir un colapso ante el síndrome de abstinencia. Esto se reveló meses después de su muerte, que en un principio fue asociada a sus múltiples adicciones. Su álbum Back to Black posteriormente se convirtió en el álbum más vendido del siglo xxi del Reino Unido. En 2012, Winehouse fue incluida en el número 26 en el listado de las «100 mejores mujeres en la música» de la cadena VH1.
Patricia Mae Andrzejewski nació de una familia de origen polaco e irlandés en Brooklyn, y creció en Lindehurst, Nueva York, inicialmente estudióópera como su madre. A los 19 años, se casó con su novio de la secundaria, Dennis T. Benatar, de quien tomó el apellido con el cual se hizo conocida. Poco tiempo después se mudó a Richmond (Virginia) donde trabajaba como cajera en un banco y por las noches cantaba. Ella y su esposo se mudaron a Nueva York en 1975 donde, poco tiempo después, se divorciaron.
Pat empezó a desarrollar su carrera como cantante y, en 1977, fue descubierta en un concurso amateur de un club de comedia en Nueva York, Catch a Rising Star. Después de su exitosa actuación en el club, Pat Benatar finalmente encontró su personalidad en el escenario en un disfraz de "Halloween", que originalmente utilizó como una broma:1 "El público siempre era cortés, pero en esta ocasión se volvieron locos", declaró posteriormente Pat Benatar, "Siempre eran las mismas canciones, cantadas de las misma forma, y entonces pensé, 'Oh Dios mío... ¡son estas ropas y este maquillaje!'"; debido a esa actuación, fue contratada por Chrysalis Records por su fundador Terry Ellis.
Posteriormente se casó con el guitarrista de la banda Neil Giraldo (incorrectamente pronunciado como "Geraldo" en los créditos). Con quien tiene dos hijas Haley y Hana. Webgrafía
John Winston Ono Lennon (de nacimiento John Winston Lennon), MBE (Liverpool, Reino Unido, 9 de octubre de 1940 – Nueva York,Estados Unidos, 8 de diciembre de 1980), fue un músico multiinstrumentista y compositor que saltó a la fama como uno de los miembros fundadores de The Beatles, una banda de rock británica activa durante la década de 1960, y reconocida como la más comercialmente exitosa y críticamente aclamada en la historia de la música popular. Junto con Paul McCartney, formó una de las parejas de compositores más exitosas del siglo XX.
Nació y creció en Liverpool, donde siendo adolescente se familiarizó con el género musical skiffle, formando la banda The Quarrymen, que posteriormente se convertiría en 1960 en The Beatles. Cuando el grupo comenzó a desintegrarse hasta su disolución a finales de esa década, Lennon inició una carrera como solista, marcada por varios álbumes aclamados por la crítica, incluyendo John Lennon/Plastic Ono Band eImagine, y canciones icónicas como «Give Peace a Chance» e «Imagine».
Demostró un carácter rebelde y un ingenio mordaz en la música, el cine, la literatura y el dibujo, así como en sus declaraciones en conferencias de prensa y entrevistas. Además, la polémica le persiguió debido a su constante activismo por la paz, junto con su esposa Yōko Ono. En 1971 se mudó a Nueva York, donde su oposición a la guerra de Vietnam dio lugar a numerosos intentos por parte del gobierno de Richard Nixon de expulsarlo del país; mientras, sus canciones fueron adoptadas como himnos por el movimiento contra la guerra. Después de su autoimpuesto retiro de la industria musical en 1975 para dedicar tiempo a su familia, Lennon volvió en 1980 con Double Fantasy. Lennon fue asesinado tres semanas después de ese lanzamiento.
Que Ana Naranjo se haga llamar Linda Mirada no sorprende si uno descubre sus impresionantes ojos azules buscando su nombre artístico en Google. Que sea la novia de Fran Nixon puede parecer un detalle irrelevante y machista. Pero no lo es tanto si se usa para explicar que ambos comparten los referentes culturales ineludibles en los de su generación: Barrio Sésamo, La guerra de las galaxias, las canciones de Enrique y Ana… Ella (conquense residente en Madrid) ha ignorado el pop tradicional de raíz beatlemana que él ha escogido para su itinerario musical, y se ha decantado por los sintetizadores. Naranjo ha recogido lo mejor de la tradición italodisco de los ochenta. Con la ayuda de Bart Davenport, un genial compositor y arreglista californiano, y sin ninguna experiencia previa ha reunido canciones suficientes para un álbum de debut que ha dejado la boca abierta a la crítica. Media independencia española daría un brazo por haber compuesto alguna vez un estribillo tan redondo como el de San Valentín. Disco: Linda Mirada, China es otra cultura. http://rollingstone.es/noticias/diez-cantautores-pop-espanoles-que-debes-conocer/
No hay duda que haber ejercido de cabeza visible de un buque insignia del Xixón Sound y del noise patrio como fueron Australian Blonde da ciertas tablas. Francisco Javier Fernández Martínez, Fran (para los que aún se acuerdan del Chup Chup), Francisco Nixon (para los que le han seguido la pista incluso cuando formaba parte de ese proyecto musical que fundó junto a Sergio Algora llamado La Costa Brava) se ha hecho mayor y de ello habla en El perro es mío, donde los conflictos interiores de los treintañeros mileuristas que crecieron alucinando con los ejercicios gimnásticos de Nadia Comaneci o merendando bocadillos de Nocilla (y que no acaban de encontrar su sitio en el mundo), quedan reflejados con ternura, sensibilidad, ironía, gracia y buen gusto. Y eso, incluso cuando al locutor de Radio 3 Julio Ruiz, que dio el primer empujoncillo a Fran en pleno auge de la nueva escena indie noventera, el título y la temática del principal single del disco, Erasmus borrachas, no le parecieron precisamente sensibles ni políticamente correctos. Tantos años caminando por el sendero del rock americano para acabar haciendo pop tranquilito del de toda la vida en español. Mereció la pena la espera. Disco: Francisco Nixon, El perro es mío https://www.youtube.com/watch?v=6kxVxziob-4
Rebeca Clarke (Harrow, 27 de agosto de 1886 – 13 de octubre de 1979) fue una compositora y violistainglesa.
Ingresó tempranamente al Colegio de Música donde estudió composición con Charles Stanford y adoptó finalmente la viola como fuente básica para su tarea de concertista y creadora musical.[1]
Formó un notable cuarteto con las violinistas Adila y Jelly D´Arangi y la violoncellista Suggia. En 1916 marchó a los Estados Unidos y se vinculó a la docencia y a grupos de cámara en Nueva York. Luego recorrió los más afamados centros musicales de varios continentes como solista de viola. Como estudiosa se fue convirtiendo en musicóloga altamente respetada. Sus obras editadas son Lullaby y lo grotesco, dos duetos para viola y violonchelo de 1918, la sonata para viola y piano de 1919, tríos con piano de 1921, Salmo para coro de 1920, canciones con piano, la Rapsodia para chelo y piano de 1923, canciones con acompañamiento de violín, canciones sobre temas irlandeses,
etc. http://es.wikipedia.org/wiki/Rebecca_Clarke
Fanny Mendelssohn nace en Hamburgo.Su padre, Abraham Mendelssohn, era un banquero y filántropo berlinés, por lo que Fanny gozó de excelente educación y la misma que su hermano. Desde pequeña se perfiló como prodigio musical, razón por la que su educación fue dirigida en torno a la composición. El entorno musical de la joven incluía personalidades como Ignaz Moscheles, Sir George Smart y quien fue su docente, Carl Friedrich Zelter. Fanny nació "con los dedos para tocar fugas de Bach", según su madre. La favorable situación económica de la familia permitió que los niños recibieran una sólida cultura general. Tanto Fanny como Felix estudiaban desde las cinco de la mañana hasta las últimas horas de la tarde. Este horario riguroso era una tradición familiar desde la época del abuelo filósofo. La sociedad de la época, de clara tendencia paternalista, influyó grandemente en la familia de los Mendelssohn Bartholdy: mientras que al joven Felix se le alentó, educó y apoyó en su vocación musical, cosa un tanto rara para un banquero judío, con Fanny, "por ser mujer", no pasó así. Su destino era ser una buena esposa y ama de casa. En 1829 se casó con el pintor Wilhelm Hensel. No obstante, Felix y Fanny, dada la férrea formación familiar, fueron un ejemplo de amor fraternal; incluso ella era mejor pianista que él y Felix siempre valoró las críticas que ella le hacía en todo sentido. Su debut público es en 1838, cuando interpreta el Concierto nº. 1 para piano de su hermano.
Hijo del doctor Gustaf Adolf Balthasar von Hoeßlin y Maria Magdalena Auguste Rüdinger fue alumno de Max Reger y Felix Mottl debutó en 1907 en Danzig, en Saint Gall (1908-1911) y luego en Riga.
Es voluntario en la Primera Guerra Mundial y posteriormente se desempeña en puestos estables en Lübeck y Mannheim donde se casa con la contralto Ema Liebenthal.
En 1923 es nombrado director general del teatro de Dessau como sucesor de Hans Knappertsbusch. Allí entabla amistad con Paul Klee, Kandinsky y Walter Gropius luego de la disolución de la Bauhaus de Weimar reestablecida en Dessau.
Entre 1926-1932 es director general del teatro de Wuppertal.
Dirige en Berlín, Viena, Amsterdam, Madrid, Lisboa, Londres, Estocolmo, Paris, Hamburgo, Niza y Ginebra debutando en el Festival de Bayreuth en 1927 con tres ciclos de El anillo del nibelungo donde regresa en 1928, 1929, 1934 (Parsifal, comparte la dirección con Richard Strauss). En 1929 monta El anillo del nibelungo en Paris, grabado por la firma Pathé.
Entre 1932 y 1936 es director de la ópera de Breslau, ofrece refugio a Kandisnky perseguido por los nazis en su casa de Múnich y en 1934 rehúsa dirigir en Múnich y Hamburgo oponiéndose al veto de Joseph Goebbels entre otros motivos porque su esposa es judía. Se exila en Florencia, Italia con su esposa e hija.
Invitado por Winifred Wagner regresa entre 1938-40 y 1942 a Bayreuth donde dirige un célebre Parsifal con Germaine Lubin y Franz Völker.
En 1944 abandona Italia y se refugian en Ginebra, Suiza donde dirige la orquesta de la Suisse romande y se dedica a la composición. Regresando de un concierto en Barcelona, acompañado de su esposa, el avión se precipita en las proximidades de Perpiñán el 25 de septiembre de 1946.
Franz Peter Schubert (Viena, 31 de enero de 1797 – ibídem, 19 de noviembre de 1828) fue un compositor austríaco, considerado introductor del Romanticismo musical y la forma breve característica pero, a la vez, también continuador de la sonata clásica siguiendo el modelo de Ludwig van Beethoven. Fue un gran compositor de lieder (breves composiciones para voz y piano, antecesor de la canción moderna ), así como de música para piano, de cámara y orquestal. Webgrafía
Sophia Dussek nacida Corri, más tarde Moralt (nacida en Edimburgo el 1 de mayo de 1775; fallecida en Londres, hacia el año 1831) fue una cantante, pianista, arpista y compositora escocesa de origen italiano, hija del editor musical Domenico Corri. En 1792 casó con el compositor Jan Ladislav Dussek. Hasta el siglo XX sus obras aparecieron publicadas con el apellido de su primer marido, como las primeras ediciones de sus Sonatas op. 2 (1796), que aparecen en la edición Corri-Dussek bajo el nombre de "Madame Dussek". Una edición posterior en París apareció sólo bajo el nombre de "Dussek", y fue ésta la publicación usada como fuente para la edición de Schott de 1953 de la Sonata en Do menor que fue atribuida erróneamente a Nicanor Zabaleta. Con su esposo cantó en los celebrados conciertos Solomón de Londres muchos grandes Oratorios de Haendel, lo que luego hizo en sus viajes por Cambridge, Oxford, Liverpool, Manchester, Dublín y Edimburgo. Enviudó en 1812 y se entregó entonces a la enseñanza y casó en segundas nupcias con el violista John Alvis Moralt. La pareja vivió en Paddington, donde ella fundó una escuela de música. Su hija Oliva, nacida en 1797 en Londres, fue compositora. Son obras de Sophia seis sonatas para piano, seis sonatas para arpa, valses, y numerosos rondós.
Pieter (Pierre) van Maldere (Bruselas, 16 de octubre de 1729 — Bruselas, 1 de noviembre de 1768), fue un violinista y compositor belga.
Probablemente fue alumno de Jean-Joseph Fiocco, por entonces director de la capilla real belga. Ingresado en la corte del príncipe Carlos-Alejandro de Lorena en 1749, Van Maldere pasó los años de 1751 a 1753 en Dublín en calidad de director de los «Philarmonick Concerts», para posteriormente tocar en el Concert Spirituel de París de agosto de 1754.
Posteriormente, acompañó al príncipe en sus numerosos viajes a Viena, donde hizo representar sus dos primeras óperas cómicas: Le Déguisement pastoral (1756) y Les Amours champêtres (1758).
De vuelta a Bruselas, compone algunas óperas y más de cuarenta sinfonías, oberturas y sonatas. En 1758, es promovido al cargo de «valet de chambre» del príncipe, para convertirse posteriormente en codirector del Théâtre de la Monnaie de 1763 a 1767.
Claudio Giovanni Monteverdi (Cremona, 15 de mayo de 1567-Venecia, 29 de noviembre de 1643) fue un compositor, gambista y cantante italiano. Marcó la transición entre la tradición polifónica y madrigalista del siglo XVI y el nacimiento del drama lírico y de la ópera en el siglo XVII. Es la figura más importante en la transición entre la música del Renacimiento y del Barroco. Inició sus estudios de música con Marco Antonio Ingegnieri, maestro de capilla de la Catedral de Cremona, y a los 15 años publicó sus primeras obras. Entre 1587 y 1638 publicó ocho colecciones de madrigales, en los que muestra su dominio de la técnica madrigalista. Combina las escrituras homofónica y contrapuntística, donde utiliza libremente armonías y disonancias. En 1599 se casó con Claudia de Cataneis, que murió en 1607 y en ese mismo año se estrenó Orfeo, favola in musica, su primer drama musical, considerado la primera ópera de la historia, como la entendemos hoy día. Su siguiente ópera Arianna (1608), cuya música se ha perdido, excepto el famoso "Lamento", consolidó su fama. En 1613 fue maestro de coro y director de la catedral de San Marcos de Venecia, ciudad en la que compuso la mayoría de su obra sacra. Para inaugurar el primer teatro de esta ciudad, compuso más óperas. En su música religiosa utilizó gran variedad de estilos, que iban desde la polifonía de su Misa de 1610 a la música vocal operística de gran virtuosismo y las composiciones corales antifonales de sus Vísperas de la beata Virgen, también de 1610, tal vez su obra hoy más famosa. La obra Selva morale e spirituale, publicada en 1640, es un enorme compendio de música sacra. En 1637 compuso una nueva serie de óperas, de las cuales sólo conocemos Il ritorno d'Ulisse in patria (1641) y L'incoronazione di Poppea (1642).
Era una de las hijas nacida del matrimonio formado por el rey tebano Seqenenra y su hermana, la dama Ahhotep. Debido a que el país estaba atravesando una guerra civil, en la que las tropas tebanas se enfrentaban a los hicsos del Norte, que habían conquistado el país cien años atrás, desde un pimer momento Amosis Nefertari fue prometida en matrimonio con su hermano Amosis. Al morir Seqenenra a causa de la guerra, y su sucesor (hermano o hijo) Kamose también, el siguiente rey fue el niño Amosis I, y la pareja real, menor de diez años de edad, tuvo que ser asesorada por la reina madre Ahhotep, convertida en regente. Cuando por fin Ahmose alcanzó la madurez y pudo continuar la guerra con óptimos resultados, Egipto entró en la fase más próspera y atractiva de su historia, el Imperio Nuevo, época de grandes faraones como los Tutmosis, los Ramsés y los Amenhotep. Ahmose-Nefertari no se separó de su marido y la influencia que ejerció sobre él tuvo que ser inmensa, pues disfrutó de grandes honores y prerrogativas políticas nunca antes vistas en una Gran Esposa Real. Ostentó el cargo de segunda profetisa de Amón, pero el que parece ser que más gustó de llevar fue el de "Esposa del dios", poderoso título que acabó por traspasarse de madre a hija en toda la dinastía como sello de la pureza de la sangre real. A la muerte de Amosis, la reina vio cómo su hijo mayor se convirtió en el rey Amenhotep I, y siguió con su actividad como si siguiera siendo la gran esposa real. Quizás esto se debiera a las innegables dotes de líder de la matriarca, sumadas al cariño que sin duda inspiró a su hijo. Además, se sabe bien poco de la gran esposa real de Amenhotep I, por lo que es posible que no estuviese capacitada para ejercer su cargo y por tanto fue sustituida por su madre. La muerte de la reina Ahmose-Nefertari acaeció a avanzada edad, probablemente en los últimos años del reinado de su hijo. Se ignora dónde fue enterrada, pero es posible que la inhumaran con su amado hijo. Ambos fueron posteriormente deificados por los constructores de tumbas de Deir el-Medina, considerándolos los fundadores de la orden. El rango de la "Esposa del dios" pasaría de generación en generación entre las grandes mujeres de la familia real como muestra de la descendencia de la primera de ellas, tenida como la madre de todos, Ahmose-Nefertari.
Perotín, llamado en francés Pérotin le Grand ("el grande") o en latín Magister Perotinus Magnus (también Perotinus Magnus y Magister Perotinus) fue un compositor medieval francés, que nació en París entre 1155 y 1160 y murió hacia 1230. Considerado el compositor más importante de la Escuela de Notre Dame de París, en la cual comenzó a gestarse el estilo polifónico. Revisó el Grand livre d'órganum (en latín Magnus líber organi o Magnus Liber, atribuido a Leonín) entre 1180 y 1190.
Barbara fue la hija adoptada y posiblemente ilegítima de Giulio Strozzi. Giulio la incorporó en sus series de grupos de discusión, particularmente la «Academia de los unísonos», donde fue invitada a cantar y también a participar en los grupos de discusión. Estudió con el compositor Francesco Cavalli. Luego de la muerte de su padre, es probable que tuviera que sobrevivir gracias a su trabajo de composición musical. En este aspecto tuvo importantes mecenas, a quienes dedicó varias de sus obras, entre ellos Fernando II de Austria y Sofía, Duquesa de Brunswick y Lüneburg.
Se llamaba trobairitz (tɾuβajˈɾits) a la trovadora occitana de los siglos XII y XIII. El término trobairitz fue utilizado por primera vez en el Romance de Flamenca del siglo XIII. Proviene del término provenzal trobar, su significado literal es "encontrar", y el significado técnico es "componer". La trobairitz componían, escribían versos, cantaban y recitaban en las corte de Occitania. En la historia de la música se destacan por ser las primeras compositoras conocidas de música secular occidental; todas las compositoras previas conocidas escribían música sacra. Las trobairitz formaban parte de la sociedad de la corte, en comparación a sus contrapartes de las clases bajas las joglaresse. Si bien a menudo los trovadores provenían de familias humildes— es probable que Bernart de Ventadorn fuera el hijo del panadero del castillo— las trobairitz eran de ascendencia noble. Las trobairitz más destacadas fueron Alamanda de Castelnau, Azalais de Porcairagues, Maria de Ventadorn, Tibors, Castelloza, Garsenda de Proença, Gormonda de Monpeslier, y la Comtessa de Día.
Maddalena Casulana nació en Casole d´Elsa, en Siena, en la Toscana Italiana, quizás en el año 1544, no hay certeza. Compositora italiana, cantante e intérprete de laúd. Aunque se conoce muy poco de su vida, debió de recibir muy joven su formación musical, en su ciudad natal, destacándose como cantante e intérprete de laúd. Más tarde se trasladó a Florencia, donde empezó a componer música. Publicó su primera obra en 1566, cuatro madrigales, bajo el título de Il Desiderio (El Deseo).El madrigal es una forma musical secular que floreció en la segunda mitad del siglo XVI, compuesta para tres a seis voces a capella; se introdujeron instrumentos musicales recién hacia 1600, en el primer Barroco.En 1570 se publicó en Venecia "El primer libro de madrigales" a cuatro voces, con el cual Maddalena se convirtió en la primera mujer en la historia de la música cuyas obras fueron impresas y publicadas.
Es probable que haya tenido que defender su arte y luchar en medio de las dificultades que le imponía la sociedad, ya que las mujeres sufrían la opresión en todos los ámbitos, y su vida, como la de muchas mujeres de la época, nos es prácticamente desconocida. En la dedicatoria de su primer libro expresó: "Deseo mostrar al mundo, en esta profesión musical, la errónea vanidad de que sólo los hombres poseen los dones del arte y el intelecto, y de que estos dones nunca son dados a las mujeres".
El mismo año que apareció el libro de madrigales, Orlango Di Lasso (1532-1594) prolífero compositor de madrigales y uno de los músicos más influyentes europeos del siglo XVI, dirigió una composición de Maddalena en la corte de Albrecht de Baviera, en Munich, pero esta música no sobrevivió al paso de los siglos.
Maddalena Casulana tocaba el laúd en tertulias privadas; compuso numerosos madrigales y gran parte de su obra fue publicada en Venecia. En 1586 se publicó su última obra, un madrigal para tres voces. Se cree que murió alrededor de 1590.
Nació en un pueblo en el Valledel Rhin (Alemania).Ingresó de niña en un conventode la orden benedictina dondefue educada.Fue una de las primeras mujeres que se relacionó al mismo nivel con las personalidades poderosas de su época.Durante su vida se dedicó a escribir y compuso muchas obras de música gregoriana,algunas canciones y hasta una opera. Video Webgrafía
Se conoce que Guido de Arezzo (995-1050) sacó los nombres de
las notas de la escala musical tomando la primera sílaba de cada hemistiquio y
las dos iniciales del último verso de la primera estrofa del himno litúrgico en
honor de San Juan Bautista. En el siglo XVIII se reemplazó la primera nota ut,
que era poco sonora por la actual nota do. Hoy en día, la nota "ut"
sólo se utiliza en el idioma alemán y en los Cantos Gregorianos
